先日、
いくつかのアーティストのMVを観ていて、
ダンスのキレについて考えていました。
もちろん世界トップクラスのダンスは素晴らしい。
だけどそのダンスをたとえば素人が撮影したらどうか。
あの身体感覚あふれる躍動感あふれるMVは撮れるだろうか。
ダンス映像の印象はダンサーの実力だけでは決まらない。
本人に似合う振り付け、色彩、
次に、カメラマンが身体の重心やリズムを理解しているかどうかで、
同じダンスでも鋭く見えたり少し鈍く見えたりします。
画角、ダンスに合わせた勢い、楽しさ。惹きつける力。
これを作詞で考えてみると、
現在の音楽制作の現場では、メロディーが先にあり、
あとから歌詞を乗せるケースが多くあります。
だから作曲はダンスを踊るアーティスト。
作詞はカメラマンという視点で見ることもできます。
どんなに素晴らしい音楽（ダンス）も
作詞（カメラマン）次第で鋭くも鈍くもなる。
逆を言えばまだ輪郭の見えにくいダンス（作曲）も
カメラマン（作詞）次第で鋭く描き映し出すことができるはずです。
踊れないカメラマンがダンスを撮るかのように、
歌えない言葉は歌を鈍らせる。
歌になる言葉は、メロディーの重心を知っている。
作詞は、言葉の技術だけではなく、
メロディーの身体感覚を理解する必要があります。
作詞はメロディーという身体に言葉を置く仕事です。
私の作詞講座は、
作詞や言葉の知識だけをお伝えするものではありません。
平井堅『楽園』、嵐『トビラ』などの楽曲で、
実際にメロディーと言葉に向き合ってきた身体感覚をもとに、
あなたの歌詞の輪郭を一緒に見ていく時間です。
歌の重心をどこに置けばいいのか。
自分の歌詞に何が足りないのか。
それがわからないまま書き続けている方へ。
メロディーの中で言葉がどう立ち上がるのかを、
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